El mejor cine de autor que viene / 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián (2)


En esta segunda y última entrega sobre el 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián me centro en las algunos nuevas propuestas de cine de autor. 14 en total de, entre otros, Darren Aronofsky, Michael Haneke, Wim Wenders, Hirokazu Kore-eda, Martin McDonagh, Paolo Virzì, Andrey Zvyagintsev y Xavier Legrand. “Mother!”, “Tres anuncios a las afueras de Ebbing, Misuri”, “Lumière!”, “Call Me by Yor Name”, “The Leissure Seeker”, “Inmersión”, “Princesita”, “Sin amor”, “Custodia compartida” y “The Florida Project” son algunas de ellas. Durante la celebración del festival, estos textos -ampliados- fueron publicados a diario en la revista online El Asombrario, asociada con Público, ocupando la portada de este diario online durante los días de celebración del festival, y en cuatro ocasiones, en el ránking de lo más leído del día. Entre estas reseñas y las de Manuel Cuéllar, con quien compartí las entradas, sumamos referencias a mas de treinta películas.

Jennifer Lawrence y Javier Bardem, protagonistas de “Mother!”, de Darren Aronofsky. / OAC

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Cine español y series españolas que vienen / Canarias en el 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián


Esta primera entrega resumen del 65 Festival Internacional de Cine de San Sebastián #65ssiff contiene referencias a las series de televisión “La peste” (Alberto Rodríguez) y “Vergüenza” (Juan Cavestany y Álvaron Fernández Armero), y las películas “El secreto de Marrowbone” (Sergio G. Sánchez), “La vida y nada más” (Antonio Méndez Esparza), “El autor” (Manuel Martín Cuenca), “Fe de etarras” (Borja Cobeaga) y “La gran enfermedad del amor” (Michael Showalter). También da detalles de la presencia de cineastas y el cine de Canarias en el 65 Zinemaldia y hace un reseña del habitual acto de Canarias en el festival de cine más importante de España.

Pablo Molinero y Paco León, protagonistas de “La Peste” / OAC

TELA BLANCA, CRISTAL NEGRO

Ver proyectados sobre la tela blanca de la enorme pantalla del cubo grande del Kursaal del premio Pritzker Rafael Moneo en San Sebastián los dos primeros capítulos de la serie de televisión “La peste”, que llegará a los cristales negros de los televisores de plasma en los hogares en enero de 2018 a través de una plataforma de televisión de pago, es lo mismo que tener la oportunidad de ver en todo su esplendor la última obra de Alberto Rodríguez, uno de los mejores directores del cine español actual. Sigue leyendo

Secretos muy confesables, Josué Ramos salta al largometraje con “Bajo la rosa”


“Bajo la rosa” suma una treintena de selecciones y 14 premios internacionales desde su estreno en marzo pasado. Su protagonista es Pedro Casablanc, quien encarnara a Luis Bárcenas en la película “B”. La ópera prima del tinerfeño Josué Ramos costó 15.000 euros pagados con los ahorros del propio director. Su próxima cita es el Oaxaca Film Fest mejicano, a principios de octubre. Esta entrevista con Josué Ramos la publiqué el sábado 16 de septiembre en La Provincia, donde fue portada de su suplemento de Cultura.  Sigue leyendo

Andrés Koppel ennegrece Canarias con “La niebla y la doncella”


“La niebla y la doncella’, primer largometraje del director tinerfeño Andrés Koppel, es un thriller basado en la novela homónima de Lorenzo Silva que se presentó en Sección Oficial del 20 Festival de Málaga, Cine en Español. La película se estrena el 8 de septiembre. “La niebla y la doncella es un thriller muy tranquilo, una película atípica. En realidad hemos hecho una especie de Agatha Christie”; “Lo importante es que tus hijos estén vivos“; y “Si los canarios no ven el cine propio, no tiene sentido hacerlo” son algunos de los titulares que dio esta entrevista realizada en Málaga el día de la premier de la película y publicada el sábado pasado en el suplemento Cultura de La Provincia. Esta versión online viene con el texto completo y nuevas fotografías.

Así salió publicado el tema en La Provincia el pasado sábado. / LRA

Para terminar la entrevista le pregunto a Andrés Koppel (Friburgo, 1964), padre de dos hijos, Tomás y Clara, de 13 y 10 años, por el mensaje que subyace en su primer largometraje. “Lo que “La niebla y la doncella” cuenta está ejemplificado en una frase que le dicen al padre de una de las víctimas: “Le van a decir cosas de su hija que no le van a gustar, pero que sepa que fue una buena guardia civil”. Esto ya se le dice sabiendo que es una mentira. Pero es que encima el padre contesta: “¿Y eso que importancia tiene? Si tú hubieras hecho bien tu trabajo, mi hija estaría viva”. Ante la muerte violenta de un hijo, ni la violencia ni la justicia te ayudarán a curar esa herida. Eso es lo importante, que tus hijos estén vivos”. La película se estrenará en salas de cine el 8 de septiembre. Sigue leyendo

“Tout le monde aime le bord de la mer”, primera película de Canarias en los European Film Awards (EFA)


Esta entrada la publiqué en La Provincia en febrero de 2016 bajo el título “Inmensidades en tránsito”. La noticia entonces ya constituía uno de los hitos del cine de Canarias en 2016. Nunca una película de las Islas lograba ser finalista de los European Film Awards (EFA), los premios del cine europeo. Un total de 15 cortometrajes fueron seleccionándose en distintos festivales europeos a lo largo del año. “Tout le monde aime le bord de la mer” (“A todos nos gusta la orilla del mar”), dirigido por la gallega Keina Espiñeira, es un cortometraje documental sobre inmigrantes en Ceuta producido por El Viaje Films, de José Ángel Alayón, ganó el pasaporte a los premios en el festival de Rotterdam. Sigue leyendo

De “La llegada” a “Neruda”, algunos de los mejores estrenos de la temporada


Han sido diez semanas sin publicar en este blog, un período de viajes y demasidos frentes abiertos para poder abrir con la regularidad que merece el lector esta ventana. Primero el festival de San Sebastian, con colaboraciones para El Asombrario/Público y La Provincia. Después, el festival de Sitges, con colaboraciones para La Provincia. En el primer caso, las películas tratadas han sido (añado los enlaces de las publicaciones en El Asombrario, que incluyen también los textos de Manuel Cuéllar): Tú y los demás. Hong Sang-soo; Fuocoammare. Gianfranco Rosi; I, Daniel Blake. Ken Loach; La reconquista. Jonás Trueba; Playground. Bartosz M. Kowalski; Jesús. Fernando Guzzoni; Elle. Paul Verhoeven; Colossal. Nacho Vigalondo; Que Dios nos perdone. Rodrigo Sorogoyen; María (y los demás). Nely Reguera; Nocturama. Bertrand Bonello; El hombre de las mil caras. Alberto Rodríguez; y Neruda. Pablo Larraín. En el segundo caso, con el seguimiento a los estrenos de “Inside” (Miguel Ángel Vivas) y “Proyecto Lázaro” (Mateo Gil). Reproduczco a continuación el especial sobre las películas vistas en el 64 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, publicado el mes pasado en La Provincia, aunque ahí en una versión más reducida por cuestiones de espacio. Algunas películas ya se han estrenado, otras lo harán los meses venideros. Sigue leyendo

Adrián Guerra vuelve a inaugurar el festival de cine de Sitges


El foco de la noticia estaba en el título del filme que abrirá la 49 edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña Sitges, el próximo 7 de octubre., “Inside”, en su director, Miguel Ángel Vivas, y sus dos protagonistas, Rachel Nichols y Laura Harring. Pero aún no en lo significativo que resulta que su productor sea Adrián Guerra (32 años), y que sea la segunda vez en tres años que una película suya inaugure este prestigioso certámen, la anterior con “Grand Piano” en 2013, poniendo un hito nuevo en su carrera. Lo publiqué en La Provincia estos días pasados y hacerlo me permitió profundizar en las relaciones del productor de Las Palmas de Gran Canaria con el festival catalán. “Inside” se estrenará comercialmente en 2017. La foto de Rachel Nichols en un momento del filme es la primera que se distribuye del filme de terror. Sigue leyendo

“Marina”, de Haliam Pérez: Óleo de Cuba con abuela


“Si el resultado de la experiencia cubana no es bueno, las voluntades de quienes lucharon por ella siguen siendo válidas, nobles” y “La democracia en Cuba es inevitable. Una de mis esperanzas es poder ver cómo el país empieza a reconstruirse” son dos de las frases destacadas de la entrevista con el director Haliam Pérez sobre su documental “Marina” que el viernes pasado, 29 de julio, publiqué en el suplemento de Cultura de La Provincia. El documental del cubano residente en Gran Canaria está seleccionado a concurso en septiembre en el 25 Festival de Cine de Biarritz, una de las principales citas europeas para el cine de América Latina.

Marina Pérez protagonizó el documental a los 85 años, el 10 de julio pasado cumplió 90. / COLECTIVO RUCS

Marina Pérez protagonizó el documental a los 85 años, el 10 de julio pasado cumplió 90. / COLECTIVO RUCS

Es llamativo que uno de los más interesantes largometrajes documentales canarios de los últimos años, “Marina”; dirigido por Haliam Pérez (La Habana, 1982), estrenado en marzo de 2015, haya tenido tan escaso eco en la prensa local. Lo corrobora el propio cineasta, residente en Gran Canaria desde 1997. “Marina” se estrenó en la sección de Canarias del festival de Las Palmas y hasta hoy ha pasado por unas quince citas, entre ellas la Muestra de Cine Independiente Cubano de Barcelona, Muestra de Cine Iberoamericano de Nicaragua, Filmar en América Latina (Suiza), el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana y la Cineteca Madrid, donde se proyectó hace tres semanas. Sigue leyendo

Lo mejor del festival de Jazz de Canarias, en su 25 cumpleaños


Esta entrada te enlaza a la última entrada en Viajeros Urbanos de El País, en la que hago un recorrido por lo mejor que dará el 25 Festival Internacional de Jazz&Más Heineken de Canarias de la mano de quien mejor te lo puede explicar, Miguel Ramírez, su director y programador. Hermeto Pascoal, Jorge Pardo, Charles Lloyd New Quartet, China Moses, Incógnito y Banda Magda son algunas de sus apuestas principales. Se celebra del 8 al 24 de julio. Sigue leyendo

Especial “Julie”, de Alba González de Molina, que inaugura “Guía de Guión de Cine”


GUÍA DE GUIÓN DE CINE es un nuevo formato que he desarrollado para la Casa Museo Pérez Galdós (c/ Cano 2 y 6 de Las Palmas de Gran Canaria) dirigido a escritores y aspirantes a guionistas de cine y televisión, aficionados al cine y a la escritura en general. En entrevistas, conferencias y debates con destacados profesionales se profundizará en diferentes aspectos que conciernen la escritura del guión cinematográfico. En cada sesión, de una hora de duración, los invitados explicarán claves de la escritura de guiones a través de su experiencia en reconocidos trabajos en diálogos que conduciré yo mismo y que propiciarán la participación activa del público.

Discazeaux y González de Molina en un momento de la rueda de prensa de "Julie" en Málaga. / LUIS ROCA ARENCIBIA

Discazeaux y González de Molina en un momento de la rueda de prensa de “Julie” en Málaga. / LUIS ROCA ARENCIBIA

Guía de Guión de Cine abre el telón con la propuesta “La escritura de “Julie”, Alba González de Molina y Marine Discazeaux. respectivamente, directora-guionista y actriz protagonista del filme que compitió en Sección Oficial del pasado 19 Festival de Málaga Cine Español, recibiendo dos galardones, Mejor Opera Prima y Mejor Actriz de Reparto (Victoria Maya). El encuentro, que empezará a las 20.15 horas, irá precedido de la proyección del documental “Stop! Rodando el Cambio” (Alba González de Molina, Blanca Ordóñez, 2012), disponible gratuitamente en Youtube (lleva más de 135.000 visitas) y que proyectaremos públicamente antes, a las 18.30 horas. Sigue leyendo

Helena Taberna explora los límites del silencio en “Acantilado”, su tercera película


Helena Taberna presentó en sección oficial, fuera de concurso, del 19 festival de cine de Málaga el filme “Acantilado“, que rodó entre Gran Canaria y el País Vasco en 2015. Este texto fue publicado al día siguiente en el periódico La Provincia y es fruto de la entrevista mantenida con la directora navarra en la ciudad andaluza.

Juana Acosta e Ingrd García-Johnson en una imagen de "Acantilado" / OAC

Juana Acosta e Ingrid García Jonsson en una imagen de “Acantilado” / OAC

Nos encontramos en la terraza del hotel AC Málaga Marriot, principal alojamiento de la ciudad para los invitados del festival. “Acantilado”, tercer filme de la navarra Helena Taberna, rodado mayoritariamente en Gran Canaria en 2015, se pudo ver a las nueve de la mañana en el teatro Cervantes. “El contenido del silencio” es el título de la novela de Lucía Etxebarría en que se basa. Un fiscal (Daniel Grao) a punto de obtener un alto cargo en la administración, recibe una llamada de la policía desde Gran Canaria en la que se le informa de que su hermana (Ingrid García Jonsson) puede ser una de las fallecidas en un suicidio colectivo. Se tiraron por un acantilado de Sardina. La investigación la dirige la inspectora Yaiza Santana (Goya Toledo). Sigue leyendo

David Cánovas: “La punta del iceberg” es un sueño redondo”


Por primera vez, dos directores canarios compiten en Sección Oficial de largometrajes del Festival de Málaga Cine Español. Son Alba González de Molina, con “Julie”, y David Cánovas, por “La punta del iceberg”, protagonizada por Maribel Verdú. En ambos casos, operas primas. Esta entrevista sobre “La punta del iceberg” con el director tinerfeño de 44 años fue publicada a principios de marzo en La Provincia. Producida por Tornasol Films, la película está basada en la exitosa obra teatral homónina del palmero Antonio Tabares. “Tengo fascinación por el lado oculto de las personas, por las máscaras sociales”, “Hitchcock y Night Shyamalan los dos directores de los que no puedo evitar hablar” y “Lo que pasa hoy en el cine de las Islas Canarias solo podíamos soñarlo hace cinco años” fueron tres de las frases más destacadas de la entrevista.

Maribel Verdú, en una imagen de "La punta del iceberg". / Julio Vergne

Maribel Verdú como Sofia, en una imagen de “La punta del iceberg”. “El suicidio es la excusa para contar el viaje interior de Sofía”, dice David Cánovas. / Julio Vergne

Frente a los que recelan de que en las islas Canarias se rueden películas nacionales e internacionales, el director de cine David Cánovas no lo duda: “Soy muy optimista respecto al momento que vive el cine en las islas por el ‘boom’ de rodajes. Conozco canarios que ruedan dentro y fuera de las Islas, jóvenes que nunca se hubieran imaginado que algún día trabajarían en el cine siendo de Canarias y viviendo en las Islas. Lo que está pasando hoy solamente podíamos soñarlo hace cinco años”.

Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, David Cánovas (Santa Cruz de Tenerife, 1971) lleva dos décadas como profesional del sector, trabajando en Madrid en televisión durante quince años, hace dos años y medio residiendo en su isla natal, Tenerife. Desde 2006, ha sido realizador de televisión de programas como “Supernanny”, “Madres adolescentes”, “Soy adicto” (las tres emitidas en Cuatro) y “Mujeres y hombres y viceversa” (Telecinco). “Cuando acabé mis estudios en 1995, el cine era un mundo cerrado, el trabajo estaba en la tele. La televisión me ha enseñado a respetar el trabajo en equipo, gracias a ella me he sentido realizador, director. Esto lo recordé cuando tuve que marcar el primer plano de “La punta del iceberg”, en medio de cincuenta personas, todas esperando a que tú hables. Fue un momento de mucho respeto y emoción, era el primer plano de mi primer largometraje”.

La televisión también le ha permitido financiar sus cortometrajes. Cánovas es director de diez cortos, desde “Mate” (2002) hasta “Arte”, aún por finalizar, “una reflexión sobre lo inmune que somos en ocasiones al drama que nos muestran los medios de comunicación”. Con “El intruso” (2005), protagonizado por José Coronado, estuvo nominado a los Premios Goya como Mejor Cortometraje de Ficción. “Mascarita” (2013), “El contratiempo” (2009) y “Cuestión de actitud” (2008) son otros de sus trabajos más destacados, el último también ambientado en el mundo laboral, como “La punta del iceberg”. “Viví en directo el despido de un trabajador en la barra de un bar en Madrid. Ocurrió mientras desayunaban, después de una larga conversación en la que quien iba a despedir hablaba de la forma más amable y educada del mundo al futuro parado. Con demasiada frecuencia oigo decir de alguien que es buen tipo en lo personal, aunque en el trabajo es un poco cabroncete. No me lo creo, eso nunca es verdad”.

“La punta del iceberg” es una adaptación de la obra de teatro homónima del palmero Antonio Tabares, ganadora del premio Tirso de Molina en su 37 edición. ¿Qué le atrajo de la pieza teatral?

Tengo fascinación por el lado oculto de las personas, por las máscaras sociales. Mi corto “Mascarita” (2013), habla de eso. En “La punta del iceberg” se habla de las dobles caras a través de todos los personajes. Me gusta que de ninguno se sepa nunca si en realidad esconde algo.

Maribel Verdú y Álex García, en "La punta del iceberg" / Julio Vergne

Maribel Verdú y Álex García, en “La punta del iceberg” / Julio Vergne

Interpretada por Maribel Verdú, Carmelo Gómez, Bárbara Goneaga, Ginés García Millán, Fernando Cayo y Álex García, entre otros, es un thriller dramático que trata de una gran multinacional sacudida por el suicidio de tres empleados.

El suicidio es un telón de fondo, la excusa para contar una historia íntima: el viaje interior de Sofía. El gran reto del guión fue lograr que una parte de la acción se desarrolle en un día y que, en ese lapso de tiempo, ella llegue a plantearse cosas que nunca imaginó. También es una historia de redención.

Sofia (Maribel Verdú) se enfrenta a un sistema nefasto para la salud mental de los trabajadores.

La película habla sobre la empatía, una cualidad que me fascina del ser humano, tanto como la capacidad para mentir. Ambas son únicas del ser humano. La mentira es esencial en el cine, cientos de películas basan su razón de ser en ella. Y está en mi filmografía de manera constante.

¿Cómo llegó a la película?

Por José Amaro Carrillo, coguionista conmigo y Alberto García Martín. Él es el verdadero artífice de que exista. Encontró el texto literario de José Tabares antes de que se hubiera puesto en escena sobre un teatro y me llamó la atención sobre sus posibilidades.

Maribel Verdú y Bárbara Goenaga, en un momento del rodaje de "La punta del iceberg" / Julio Vergne

Maribel Verdú y Bárbara Goenaga, en un momento del rodaje de “La punta del iceberg” / Julio Vergne

La película ha sido, además, la salida a un año especialmente malo de trabajo para usted.

La crisis me tocó fuerte en 2013. Me veía sin futuro. Había tenido un proyecto de película frustrado, “Los huéspedes”, tenía 42 años y no había logrado rodar un largometraje. Gracias al tiempo libre que tuve pude realizar la adaptación cinematográfica. Y conseguí lo que no había logrado antes, venderle el proyecto a TVE con mi propia productora. Por eso siempre les digo a mis alumnos: “cuando se cierra una puerta, no se abre otra, sino siempre varias”.

Y apareció Tornasol (“El secreto de sus ojos”, 2009) una de las principales productoras de cine de España. ¿Fue sencillo obtener el sí del productor Gerardo Herrero?

Se cruzó en nuestro camino cuando teníamos decidido adaptar la obra. Herrero había visto la pieza teatral y contactó con Antonio Tabares, que le indicó que los derechos los tenía yo. Ahí establecimos contacto. Y fue el momento en que arrancó el sueño de la película. Él es un hombre cabal, que te dice las cosas a la cara. El guión le encantó, en cada reunión iba postulándome como director. Entre medias, él veía mis cortometrajes. Los cortos son el mejor material que puede tener un director, el único realmente. He disfrutado todos los procesos de la película, de la preparación al montaje. Ha sido un sueño redondo.

¿Qué fue lo más difícil?

Es una historia con muchos personajes. Tenía obsesión por mantener la verosimilitud en lo que rodaba. Me preocupaba que no se entendiese la historia, o que no fuera creíble.

La película se rodó en Madrid. En cinco semanas de finales de 2014. Hasta el estreno han pasado dos años.

La rodé con 42, la monté con 43 y la estrenaré con 44. La productora, con buen criterio, decidió esperar hasta encontrarle el hueco idóneo. La espera no ha sido tan dura gracias a mi trabajo, entre tanto, como realizador de “Los archivos del Ministerio” de Televisión Española.

¿Cómo se siente?

Emocionado, con muchísimas ganas de que la gente la vea. Necesito saber si la historia llega a la gente. Pero el resultado está por encima de mis expectativas.

Carmelo Gómez y Maribel Verdú, en "La punta del iceberg" / Julio Vergne

Carmelo Gómez y Maribel Verdú, en “La punta del iceberg” / Julio Vergne

Compartió aula en la Facultad de Ciencias de la Información de Madrid con Alejandro Amenábar y Mateo Gil.

No solo Alejandro y Mateo. También Juana Macías, Óscar Santos, Sergio Rozas y Natalia Montes. Llegar de Tenerife con 18 años recién cumplidos y tenerlos al lado en clase, ver cómo con 24 años Amenábar ya dirigía una película, fue uno de los grandes incentivos como cineasta.

Ha sido profesor de Audiovisual en Formación Profesional en el IES Luis Buñuel de Madrid. Y desde hace tres años dirige un festival de cine educativo, Cinedfest.

Lo creé con el músico Antonio Hernández Ruiz. En la nueva edición vamos a dar 130 clases en otros tantos centros de enseñanza de toda Canarias. Todo tipo de centros de enseñanza, desde Primaria hasta centros de mayores. En 2014 se sumaron 70 centros de la Península. Cada docencia dura entre cuatro y cinco horas, damos nociones básicas de lenguaje audiovisual, trucos para rodar con pocos medios, les incentivamos para que rueden cortos y les hacemos unas prácticas conjuntas. Después, ellos hacen sus películas con los medios que tienen. Cada año se presentan doscientos y pico trabajos. He aprendido a no subestimar a los jóvenes. También, a enseñarles que deben cuestionarse las cosas que ven en la tele. Y por Cinedfest ellos han conocido películas que nunca se imaginaron que existían. El festival nos da mucha energía positiva.

¿Qué espera del futuro?

Hacer más cine. Hay un segundo guión escrito y entregado, a la espera de que productor consiga levantarlo. Mi gran sueño sería, después, hacer un tercer largometraje de terror. Soy fan de la literatura de terror y fantástica desde pequeño. Es una película que necesita hacerse con muchos medios. El guión también está escrito, José Amaro y yo admiramos mucho a Stephen King, el texto se inspira en toda la literatura que hemos leído desde los quince años.

El director de cine David Cánovas / Julio Vergne

El director de cine David Cánovas / Julio Vergne

Habla por videoconferencia desde su casa en la capital tinerfeña, entre Los Majuelos y El Sobradillo. “Descubrí la pasión por el cine con “La guerra de las galaxias” (George Lucas, 1977) y “Superman” (Richard Donner, 1978). Vi las dos en los multicines Greco de Santa Cruz, cada vez que paso por ahí me pregunto cómo es posible que siga cerrado. ¡Necesito entrar de nuevo a ese espacio!”

¿Cómo nació su vocación por ser director de cine?

Empecé con 12 años, de ayudante de Enrique Carrasco, que es profesor hoy en día, y mi hermano en películas hechas en Súper 8 en nuestro edificio. Con 13 años empecé a dirigir los míos. Más tarde, con 16 años, en el Instituto Poeta Viana de Santa Cruz de Tenerife nos permitían rodar cortos en los recreos. Teníamos una asignatura, Taller de Fotografía y Vídeo, con una profesora que se llamaba Rosa (no recuerdo el apellido). Nunca olvidaré la tarde que nos puso la película de Alfred Hitchcock “Los pájaros” (1963). Esa proyección y mis experiencia con el Súper 8 me decidieron: quería ser director e irme a estudiar cine a Madrid.

¿Con qué cine disfruta?

Con el que sugiere, que te hace partícipe, también con el que es un poquito voyeur. Hitchcock y Night Shyamalan los dos directores de los que no puedo evitar hablar. Spielberg también es un referente, pero más por su dominio de la puesta en escena, es el equivalente a Maradona o Messi en el fútbol, el mayor talento natural. Pero Hitchcock es el mayor genio como cineasta. También me gusta identificarme con Charles Laughton, que solo dirigió una película y fue una obra maestra absoluta, “La noche del cazador” (1955). Si tengo que hacer solo una película, al menos que sea buena.

Cartel de "La punta del iceberg"

Cartel de “La punta del iceberg” /  OAC

Alba González de Molina: “Por mucho que quieras escapar, la tierra es de quien tiene el dinero”


Con 24 años empezó a escribir el que sería su primer filme de ficción, “Julie”, protagonizado por Marine Discazeaux y rodada en la ecoaldea de Matavenero (León). Con él, ha logrado ser seleccionada en la Sección Oficial del Festival de Málaga Cine Español. La grancanaria Alba González de Molina, 27 años, quería ser novelista. Su vocación de cineasta la descubrió estudiando la carrera en Madrid. Esta entrevista se publicó el pasado viernes en el periódico “La Provincia”. “Julie es una persona abandonada que teme que si no huye de sí misma alguien terminará huyendo de ella” y “A fin de cuentas somos animales, nos atraemos y repelemos. Que Julie sea heterosexual, bisexual o lesbiana no tiene importancia. Hay que evitar la etiqueta” son dos de las frases más destacadas de la entrevista. [Si te ha gustado esta entrada, quizás puedas seguirme en @LuisRocaA 😉 Twitter] Sigue leyendo

Los cortometrajistas Dani Álava y Dennis García se citan en Cannes


Dos jóvenes cortometrajistas de las Islas, Dani Álava y Dennis García, participarán en el Short Film Corner del próximo festival de Cannes. Sus películas empezaron como prácticas de estudiantes en Hertfordshire (Reino Unido) y Barcelona. Ambos cortos están distribuidos por Mailuki Films. “Infame”, la película de García, obtuvo en el festival de Gáldar el Premio de Distribución que lo ha catapultado a Cannes.

Un momento de "The Idea Thief", de Dani Álava.

Un momento de “The Idea Thief”, de Dani Álava. / OAC

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Diego Navarro: “Lo fantástico de “Atrapa la bandera” ha sido traer la producción musical a Canarias”


La noticia se producía esta semana, la película de animación “Atrapa la Bandera” desbancaba a “Perdiendo el Norte” como la española más taquillera del año. Es decir, lograba superar la recaudación alcanzada por ésta, 10.395.288 euros. Las prospecciones del box office español indica que la muy recomendable película de Enrique Gato, que entra en su décima semana en la cartelera, podría llegar a los 12 millones euros. Para celebrar la importante noticia, recupero esta entrevista que realicé al músico Diego Navarro con motivo de su estreno, el 28 de agosto pasado. Navarro, tinerfeño, es compositor banda sonora y director de la producción musical, realizada en Canarias. “En algunos casos he tenido que escribir durante veinte horas diarias. El ritmo ha sido extenuante” y “Atrapa la bandera” es el espaldarazo definitivo a la idea de Canarias como destino para producir música de cine” son otros dos de los titulares de esta entrevista que fue publicada en La Provincia y en la que Navarro habla también del festival Fimucité y sus prioridades en influencias como músico. Sigue leyendo

Ernesto Lecuona, maestro de maestros, sale del olvido en “Playing Lecuona”


El viernes se estrenó en Montreal “Playong Lecuona“, un documental que pretende devolver a primer plano la figura de Ernesto Lecuona, compositor cubano con raíces en las Islas Canarias. Michel Camilo, Chucho Valdés y Gonzalo Rubalcaba son sus protagonistas. Con ellos, músicos e intérpretes como Raimundo Amador, Omara PortuondoEsperanza Fernández y Ana Belén. Esta primera reseña crítica en español se publica tras su estreno el pasado viernes en el Festival de los Filmes de Mundo de Montreal, con el cartel de “sold out” en la puerta y aplausos durante y al final de la proyección. Sigue leyendo

Roberto Pérez Toledo inicia el rodaje de “Como la espuma” y “Evolution”, producida por Volcano Films, seleccionada en el TIFF y San Sebastián


Dos noticias recientes han llevado a cinestas de Canarias a la actualidad informativa. Por un lado, el director lanzaroteño Roberto Pérez Toledo (“Seis puntos sobre Emma”, “Los amigos raros”) inició la semana pasada el rodaje de su tercer largometraje, “Como la espuma“. Por otro, el filme “Evolution“, de Lucille Hadzihalilovic, producido por la tinerfeña Volcano Films (Sebastián Álvarez), ha sido seleccionado en la sección Vanguard del Toronto International Film Festival (TIFF), tras haber sido anunciado que participará en sección oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. De ambas noticias di cumplida cuenta a través de mis colaboraciones en el periódico de La Provincia de Las Palmas de Gran Canaria. Para quien no haya tenido acceso a las versiones en papel de las dos noticias, estos fueron los textos, publicados esta última semana. Sigue leyendo

Dead Slow Ahead gana en el festival de Locarno / José Ángel Alayón: “Que Canarias no se convierta en un nuevo Almería”


El siete de agosto pasado publiqué está entrevista con José Ángel Alayón en La Provincia junto con la primicia de que un documental producido por él, Dead Slow Ahead, (aquí puedes ver su tráiler) competía en la sección Cineastas del Presente del Festival Film Locarno, uno de los de referencia en cine contemporáneo del mundo. Ayer supimos que el documental de ciencia-ficción dirigido por Mauro Herce y producido por El Viaje Films, Bocalupo Films y Nanouk Films, ha obtenido el Premio Especial del Jurado en su sección. Esta entrevista, que solo fue publicada en papel, va aquí en su versión íntegra.

El director y productor tinerfeño, José Ángel Alayón

El director y productor tinerfeño, José Ángel Alayón

José Ángel Alayón reconoce estar inmerso en “demasiados” proyectos. “Produciendo el nuevo documental de Víctor Moreno, “La ciudad oculta“; coproduciendo con Galicia la próxima película de Eloy Enciso , que por ahora se llama “Longa noite”; terminando “La mar de los hombres”, de Manuel Muñoz, coproducción con Andalucía y Holanda a medio camino entre el documental y la ficción; como director, terminando de editar con Samuel Martín el documental “Gente de sal”, filmado en las salinas de Fuencaliente (La Palma); y preparando una coproducción con Chile que queremos filmar en 2016, “Blanco en blanco”, dirigida por Theo Court”. Justamente el 6 de agosto, un día antes de la publicación de esta entrevista, el tinerfeño anunciaba en su cuenta de Facebook la selección de este proyecto de ficción dentro del IV Foro de Coproducción Europa-América Latina del próximo festival de San Sebastián. Sigue leyendo

“Dead Slow Ahead” gana el Premio Especial del Jurado en Locarno: Entrevista con Mauro Herce y crítica de la película


Hace menos de una hora se ha sabido que el documental de ciencia-ficción “Dead Slow Ahead” (Mauro Herce, 2015), producción de Bocalupo FilmsNanouk Films y El Viaje Films, ha obtenido el Premio Especial del Jurado del Festival film de Locarno, en la sección Cineastas del presente donde concursaba. El pasado jueves, El Asombrario publicó esta entrevista con Mauro Herce. Aprovecho la ocasión para compartir en esta entrada, además, la reseña crítica, titulada “Avante a toda muerte“, que a propósito de la película publiqué el viernes 7 de agosto, en el suplemento de Cultura de La Provincia.

Uno de los marineros filipinos, en el filme de Mauro Herce. / EL VIAJE FILMS / OAC

Uno de los marineros filipinos, en el filme de Mauro Herce. / EL VIAJE FILMS / OAC

AVANTE A TODA MUERTE: Reza la sinopsis del filme de Mauro Herce: “Un carguero atraviesa el océano. Nuestra mirada se adentra en la cadencia hipnótica de los engranajes, que revelan el movimiento continuo de una maquinaria devorando a sus obreros: los últimos gestos del viejo oficio de los marineros, desapareciendo bajo el ritmo autómata del de siglo XXI. Quizás se trate de una nave a la deriva, o del último ejemplar de una especie en extinción. No lo sabemos, pero los motores siguen girando, imparables”. El viaje del Fair Lady, carguero de siete bodegas bajo bandera maltesa construido en Imabari (Japón) en 2005, de 225 por 32 metros y 14 metros de calado, capaz de transportar un peso de hasta 76.000 toneladas y 91.000 metros cúbicos de grano, se desarrolla en claroscuro, a golpe de sonido metálico. La combinación de esos espacios de acero en los que la escala humana es irrelevante y su potente banda de sonido (Daniel Fernández, Alejandro Castillo, Manuel Muñoz Rivas) hace que recordemos la delirante deriva final del astronauta Bowman (Keir Dullea) en “2001. Una odisea en el espacio” (Stanley Kubrick, 1968), cuando es transportado por el ordenador HAL 9000 de forma irremediable hacia su muerte. Aunque Herce se identifica más con “Solaris” (Andrei Tarkowsky, 1972), película con la que se reconcilió durante los dos meses de travesía en el barco que le llevó hacer el filme. Para captar el muy característico vibrato de los ruidos contra el metal sonido se usaron unos micrófonos especiales. La banda de sonido fue reforzada en el montaje. Es uno de los puntos fuertes de un filme que parece estar hecho lo mismo para ser visto que oído. La relevancia del sonido, como la sinfonía que pudiera oírse en una colosal fragua dantesca, es una de sus grandes virtudes. Sigue leyendo

Canarias en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián


En 2012, coincidiendo con la celebración de las 60 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, publiqué en La Provincia este reportaje sobre los hitos del cine en Canarias en este festival. Hoy lo comparto en este blog por la noticia de la primera selección de una película de producción canaria en la sección oficial del festival, “Evolution“, de Lucile Hadzihalilovic (España, Francia y Bélgica), con la canaria Volcano Films, de Sebastián Álvarez, como productora española y filmada mayoritariamente en Lanzarote. La noticia había pasado desapercibida en el gremio del cine y periodistas, canarios y de ámbito nacional. El propio festival donostiarra presentó el filme dentro del apartado de películas internacionales. La publicación de la noticia el pasado domingo ha sido compartida hasta este momento por más de 2.500 cuentas de Facebook. Antes de reproducir el texto de 2012 comparto con todos este texto que envié al periódico el sábado pasado y que no se públicó por motivos de espacio:

Foto del rodaje del equipo de "Evolution" en Tenasar (Tinajo). Lucile Hadzihalilovic, en el centro, con gafas y camisa de cuadros; Sebastián Álvarez, en la esquina superior derecha. / Volcano Films / OAC

Foto del rodaje del equipo de “Evolution” en Tenasar (Tinajo). Lucile Hadzihalilovic, en el centro, con gafas y camisa de cuadros; Sebastián Álvarez, en la esquina superior derecha. / Volcano Films / OAC

“Según subrayan desde Volcano Films, se trata de la segunda película de Lucile Hadzihalilovic. “Su primer filme “Innocence” (2004), ganó el premio Nuevos Directores en el festival de San Sebastián. Estamos pendiente de la confirmación de su presencia también en el Toronto International Film Festival (TIFF)”. Hadzihalilovic se estrenó como directora en 1996 con el mediometraje “La bouche de Jean-Pierre”, de 52 minutos, que obtuvo premios en festivales como Clermont-Ferrand y Amiens. Tras el cortometraje de seis minutos “Los chicos buenos usan condones” (1998) llegó “Innocence”, con el que además de en San Sebastián fue premiada en Amsterdam, Estambul, Neuchatel y Estocolmo. Su siguiente filme, y último hasta la fecha antes de “Evolution”, fue el cortometraje “Néctar” (2014), de dieciocho minutos. La relación de Lucile Hadzihalilovic con el festival donostiarra ha sido intensa. Participó como invitada dentro del ciclo retrospectivo “La contraola, el novísimo cine francés” en la 57 edición. Ese mismo año fue miembro del jurado Kutxa-Nuevos Directores, junto con Daniel Hendler, Antonio Gasset, Saffron Burrows y Borja Cobeaga. Sigue leyendo

Valor se escribe en femenino – Con Cris Noda, Cayetana H. Cuyás, María Sosa Betancor y Ana Sánchez-Gijón


En la edición con mayor presencia de Canarias en la historia de una de las principales citas anuales con el cine español, el festival de Málaga, cuatro cineastas isleñas compitieron con tres cortometrajes. Para María Sosa Betancor, el cine es un “juego de valientes”. Según Cris Noda y Cayetana H. Cuyás, el cine en Canarias “está ahora en ebullición”. Por su parte, Ana Sánchez-Gijón ganó el Premio Especial del Jurado en la sección de animación y está a punto de distribuir su serie “Cleo” en Asia a través de Disney.

De arriba abajo, imágenes de "La trompeta", "Eclipse" y Silver Sands Motel".

De arriba abajo, imágenes de “La trompeta”, “Eclipse” y Silver Sands Motel”.

Son las cuatro cineastas canarias que estuvieron presentes en el pasada 18 Festival de Málaga Cine Español y representan tres perspectivas diferentes para abordar el audiovisual de las Islas. Dos son directoras en las treintena y trabajan en tándem desde Las Palmas de Gran Canarias, Cris Noda y Cayetana H. Cuyás; otra es directora, tiene veintiséis años y trabaja en Barcelona, María Sosa Betancor; por último, Ana Sánchez-Gijon, radicada en Tenerife, cumple 29 años en el oficio y es directora y productora en una de las empresas de referencia, La Mirada, con una división de dibujos animados denominada La Casa Animada. Sánchez-Gijón es, además, presidenta del Clúster Audiovisual de Canarias. El trabajo firmado por Cris Noda y Cayetana H. Cuyás se titula “Silver Sands Motel” (2014), el de María Sosa Betancor “Eclipse” (2015) y el de Ana Sánchez-Gijón “La trompeta” (2013). Este último obtuvo el Premio Especial del Jurado en cortos de animación. Sigue leyendo

Crónica del festival de cine de El Cairo (5)


El largometraje “Melbourne”, opera prima del iraní Nima Javidi, sobre un matrimonio que debe enfrentarse a un terrible suceso a noventa minutos de cerrar su vivienda en Teherán para emigrar a Australia, ganó la Pirámide de Oro del 36 Festival Internacional de Cine de El Cairo. El festival finalizó el 20 de noviembre con una clausura en el complejo histórico de las pirámides de Giza, donde también se ubica la famosa Esfinge.

Esta es la quinta parte de la crónica, en su versión completa y con algunas fotos nuevas, que preparé para la revista online El Asombrario, asociada a ElDiario.es.

El lugar donde todos querían hacerse una foto en el festival estaba a la entrada del edificio de la Ópera del Cairo. / LUIS ROCA ARENCIBIA

El lugar donde todos querían hacerse una foto en el festival estaba a la entrada del edificio de la Ópera del Cairo. / LUIS ROCA ARENCIBIA

Todos los festivales de cine son políticos, pero esta circunstancia se revela mas en aquellos con circunstancias políticas más graves. Es el caso del CIFF. Podría ocurrir que antes de la proyección de la brasileña “Casa Grande”, de Fellipe Barbosa, un agente de seguridad rastree con un perro el escenario detrás de la pantalla del cine El Hanager quince minutos antes de la proyección. ¿Inquieta? Algo.

El muy sólido guión de "Casa Grande" transcurre en Rio de Janeiro. Especialmente se agradece la descripción del ambiente en esa casona a punto de ponerse en venta donde convive la familia propietaria con el menguante servicio.

El muy sólido guión de “Casa Grande” transcurre en Rio de Janeiro. Especialmente se agradece la descripción del ambiente en esa casona a punto de ponerse en venta donde convive la familia propietaria con el menguante servicio.

Antes de en la sección Festival of Festivales de El Cairo, el segundo filme de Fellipe Barbosa se pudo ver en el pasado festival de San Sebastián. También participó en la sección oficial de Rotterdam y obtuvo los premios al Mejor Guión, Actor, Actriz y el Premio Especial del Jurado en el carioca Paulínia Film Festival. El filme, dirigido con buen pulso y espléndidas interpretaciones, narra el paso a la madurez de un joven brasileño de 17 años de clase alta en un país en transformación. Sus oportunidades disminuyen cuando una legislación nacional establece cuotas en las universidades para los no blancos del país. Pero Jean (Thales Cavalcanti), contra de la postura de su padre, que trata de aferrarse al pasado, también pertenece a esa generación en cambio. El guión es muy sólido, especialmente se agradece la descripción del ambiente en esa casona a punto de ponerse en venta donde convive la familia propietaria con el menguante servicio. El filme se advierte como espejo de una parte de la compleja realidad del gigante sudamericano. Salimos de la sala tras un pequeño revuelo en el hall que nos impide abandonar. Los que no entendemos árabe somos incapaces de descifrar por qué. Después de unos segundos de incertidumbre decidimos de todas formas salir por el lugar por el que no debemos.

El cine latinoamericano brilla también en El Cairo. Incluida en la sección Festival of Festivals, la película ganadora del pasado festival de Tesalónica, la mejicana “La tirisia” (en inglés “Perpetual Sandness“), cumple bien el difícil desafío de llevar a buen puerto su dos horas de metraje sin apenas diálogos. No es, sin embargo, cine contemplativo, aunque sí la propuesta más cercana vista en el festival a eso que en los últimos años se viene afianzando como un nuevo tipo de narrativa contemporánea. La falta de información que se deriva de los silencios la debe rellenar el espectador. Tres días antes habíamos visitado con su director Jorge Pérez Solano, su mujer y el protagonista del filme, Gustavo Sánchez Parra, la Gran Pirámide y la Esfinge en Giza, a las afueras del casco urbano de El Cairo. Con su personaje de Silvestre, Sánchez Parra obtuvo el premio al Mejor Actor en el último festival de Guadalajara.

En "La Tirisia", Silvestre (Gustavo Sánchez Parra) es un salinero en Zapotiplán, lugar poco conocido incluso para los mejicanos, según confesión del propio director.

En “La Tirisia”, Silvestre (Gustavo Sánchez Parra) es un salinero en Zapotiplán, lugar poco conocido incluso para los mejicanos, según confesión del propio director.

Silvestre (Gustavo Sánchez Parra) es un salinero en Zapotiplán, lugar polvoriento y muy apartado, poco conocido incluso para los mejicanos, según confesión del propio director. Cheba (Adriana Paz), mujer de un emigrado con dos hijos, es una de sus amantes; otra es Ángeles Miguel (Gabriela Cartol), la adolescente hija de su actual pareja. Ambas han quedado embarazadas de él. La acción cobra impulso cuando el marido de Cheba vuelve de Estados Unidos. “La tirisia” habla con cadenciosa calma de emigración en Méjico a través de los que se quedan, tanto o más pobres que los que se van, y cómo sacan adelante sus vidas en la ausencia de los que se fueron. Se pierden afectos e, inevitablemente, se ganan otros, y nacen hijos de nuevas relaciones, unos más deseados que otros. En el Méjico rural que describe Pérez Solano también se refleja la podredumbre política. Momentos del filme recuerdan a escenas de Berlanga y Buñuel.

La colombiana "Los hongos" seduce en grado superlativo es porque la historia que cuenta de dos graffiteros en Cali se despliega en imprevisibles capas.

La colombiana “Los hongos” seduce en grado superlativo es porque la historia que cuenta de dos graffiteros en Cali se despliega en imprevisibles capas.

Si la colombiana “Los hongos”, segundo filme de Óscar Ruiz Navia, seduce en grado superlativo es porque el guión de la historia que cuenta de dos graffiteros en Cali, Calvin y Ras, se despliega en imprevisibles capas. Por un lado es historia de amor y paso a madurez, por otro, es retrato íntimo de Colombia, una blanca y otra negra, a través de sus protagonistas; finalmente, es vigoroso filme político de denuncia. El filme ganó el Premio Especial del Jurado en la sección Cineastas del Presente del festival de Locarno. La historia de esta película, también incluida en la sección Festival of Festivals, transcurre en período electoral, cuando los jóvenes radicales del Street Art lo tienen especialmente difícil. Mientras los candidatos, de la burguesía local, se pasean por las barriadas humildes con Dios como bandera para ofrecer falsas promesas a los desesperados, pintar un muro en propiedad privada o de la municipalidad puede costar a los infractores acabar esposados y vendados a las afueras de la ciudad. En el filme de Ruiz Navia hay personajes como el la abuela Ñañita, el padre cantante melódico y la desesperada madre de Alexis, que dan al filme una dimensión verdaderamente grande. Impagables, por encontrarnos justamente aquí, las continuas referencias en el filme a la Primavera Árabe en Egipto, cuya frase “No vamos a seguir en silencio”, pronunciada megáfono en mano por una joven activista vestida con hijab, sirve a los jóvenes protagonistas de inspiración para una nueva pintada.

(continuará dentro de dos días…)

Crónica del festival de cine de El Cairo (4)


El largometraje “Melbourne”, opera prima del iraní Nima Javidi, sobre un matrimonio que debe enfrentarse a un terrible suceso a noventa minutos de cerrar su vivienda en Teherán para emigrar a Australia, ganó la Pirámide de Oro del 36 Festival Internacional de Cine de El Cairo. El festival finalizó el 20 de noviembre con una clausura en el complejo histórico de las pirámides de Giza, donde también se ubica la famosa Esfinge.

Esta es la cuarta parte de la crónica, en su versión completa y con algunas fotos nuevas, que preparé para la revista online El Asombrario, asociada a ElDiario.es.

Niels Arestrup y  André Dussollier interpretan a los protagonistas de este interesante drama bélico ambientado en París en 1944.

Niels Arestrup (i) y André Dussollier interpretan a los protagonistas de este interesante drama bélico ambientado en París en 1944.

Películas de igual diversidad pero mayor calado tienen las secciones Festival of Festivals, con una selección de películas destacadas en festivales internacionales; Films on Films, con películas que tratan del propio medio cinematográfico; Perspectivas del Cine Árabe y Special Presentations. En “Diplomacy”, de la sección Festival of Festivals, el alemán Völker Schlondorff filma un interesante drama bélico ambientado en París en 1944. El general von Choltitz (Niels Arestrup), al mando de la ciudad, debe decidir entre salvarla de la destrucción o arrasarla, lo que equivale a salvar además de la muerte a su familia, según un contrato secreto que le ha hecho firmar Hitler. Gracias a pasados amores de Napoleón III con una actriz , el hotel donde von Choltitz tiene el cuartel general posee una serie de pasadizos que permiten al cónsul de Suecia (André Dussollier) colarse en su despacho y negociar con el una salida a la situación. Con el apoyo de muy solventes interpretaciones, el director alemán da una lección de puesta en escena con un guión con los giros justos para mantener alerta al espectador. Se echa en falta, eso sí, un mayor presupuesto para ambientar el momento histórico. No son tiempos. Para salvar la circunstancia, el astuto Schlondorff tira de con buena puntería de imágenes de archivo. Interesante la posibilidad de que la salvación de París de la destrucción total fuera en verdad posible gracias a los encuentros infieles del emperador con una cortesana. El filme obtuvo en el pasado festival de Valladolid los premios al mejor actor, para Arestrup, y mejor director, para Schlondorff. Lástima que en la recepción ofrecida para agasajar a sus cineastas en el festival en la embajada alemana la noche del martes, el muy prestigioso septuagenario se mostrara tan esquivo con los presentes.

De izquierda a derecha, Camilo Cabrera (Colombia); Mladjen Minic (Serbia); Darja Pilz (Alemania); Nicolás Aguilar (Méjico); y Falcao (Portugal), algunos de los cortometrajistas del mundo invitados a El Cairo, en la recepción ofrecida en la embajada alemana. EL primero obtendría una mención en el palmarés.

De izquierda a derecha, Camilo Cabrera (Colombia); Mladjen Minic (Serbia); Darja Pilz (Alemania); Nicolás Aguilar (Méjico); y Falcao (Portugal), algunos de los cortometrajistas del mundo invitados a El Cairo, en la recepción ofrecida en la embajada alemana. EL primero obtendría una mención en el palmarés. / LUIS ROCA ARENCIBIA

Más amable y cercano se mostró en el mismo encuentro el director germano de origen turco Fatim Akin, que departió con los invitados, entre los cuales se encontraban algunos de los jóvenes que participan en la competición oficial de cortometrajes. La película de Akin “The Cut” inauguró el festival y llenó el lunes la sala principal de la Ópera de El Cairo, sede del festival. En la presentación, Akin explicó que le ha costado cinco años ver hecho realidad su nuevo filme y que este trata sobre algunas de las sombras de la historia de su “madre patria”, Turquía, en este caso en su relación con Armenia. Explicó además que en su presentación en el pasado festival de Venecia ocurrió justo lo contrario a lo que él preveía, gustó a turcos y armenios, pero no tanto a la prensa occidental, que se mostró especialmente agresiva en aquella comparecencia.

Fatim Akin

Retrato de Fatim Akin

“The Cut” es un filme de época que se desarrolla entre 1915 y 1923 y narra la odisea de un armenio en busca de sus hijas durante el genocidio. Está ambientado en Turquía , Jordania, Cuba y Estados Unidos. La película, con aire a western –cuestión admitida por el propio director-, cierra la trilogía sobre Dios, la Muerte y el Diablo de la que formaban parte “Contra la pared” (2004) y “Al otro lado” (2007). Guardan razón los que cuestionan el uso del inglés durante todo el filme por parte de quienes interpretan los personajes armenios, una decisión que resta veracidad, y ante la cual Akin se defiende apelando a ilustres precedentes como Bertolucci y Polanski, tanto por la necesidad en su caso de hacerse entender durante el rodaje como por razones comerciales.

“The Cut” se desarrolla entre 1915 y 1923. Narra la odisea de un armenio en busca de sus hijas durante el genocidio.

“The Cut” se desarrolla entre 1915 y 1923. Narra la odisea de un armenio en busca de sus hijas durante el genocidio.

Según expresión del propio Akin, el filme pugna también por dar voz a un cine al margen de la hegemonía occidental. Pero quizás lo más decisivo para eso es que funcione también como el mejor filme y Akin, además del problema del idioma elegido para el rodaje, se enfrenta a un personaje principal (Nazaret Manoogian, interpretado por el francés Tahar Rahim), que durante más de la mitad del metraje de la película camina solo y sin antagonistas, enfrentándose en cada escena a otra nueva decepción que lo va llevando aún más lejos en su periplo.

(Próxima entrega dentro de dos días)

Crónica del festival de cine de El Cairo (3)


El largometraje “Melbourne”, opera prima del iraní Nima Javidi, sobre un matrimonio que debe enfrentarse a un terrible suceso a noventa minutos de cerrar su vivienda en Teherán para emigrar a Australia, ganó la Pirámide de Oro del 36 Festival Internacional de Cine de El Cairo. El festival finalizó el 20 de noviembre con una clausura en el complejo histórico de las pirámides de Giza, donde también se ubica la famosa Esfinge.

Esta es la tercera parte de la crónica, en su versión completa y con algunas fotos nuevas, que preparé para la revista online El Asombrario, asociada a ElDiario.es.

Momentos de "O menino e o mundo" recuerdan a momentos que recuerdan a los filmes "Yellow Submarine" y "The Wall”.

Momentos de la brasileña “O menino e o mundo”, de Âle Abreu, recuerdan a momentos que recuerdan a los filmes “Yellow Submarine” y “The Wall”.

Antes de la proyección de la brasileña de 2013 “O menino e o mundo” (“The Boy And The World” en inglés) en la sala 2 de El Hadara, un cine al modo de los pequeños cine clubs de pantalla pequeña y cómodas butacas, nos hacen salir de la sala para que dos pastores alemanes rastreen entre todas las butacas. Los mismos encargados de las salas –hay tantos que no sabes quién hace qué- se disculpan con una sonrisa en los labios por unas molestias que para ellos es puro trámite. Filme premiado en prestigiosos festivales como el de Shanghai y el de animación de Annecy y recibida al final de la proyección con sonoros aplausos el filme de Alê Abreu, también en Sección Oficial, es un virtuoso ejercicio de animación colorista de técnica mixta, especialmente de dibujo naif y collage. El filme narra las peripecias de un niño, Cuca, en busca de su padre. Del ambiente idílico del hogar en el campo la acción se traslada a una ciudad en creciente industrialización, militarización y consumismo, con momentos que recuerdan a dos filmes referentes en este campo: “Yellow Submarine” (George Dunning, 1968), en el diseño de la animación en toda la parte industrial del filme, y a las escenas de animación de Gerald Scarfe en “The Wall” (AlanParker, 1981), en la pelea de las dos grandes aves en el cielo. Su atractiva banda sonora intercala sonidos de flauta dulce, a través de los cuales Cuca identifica a su padre, con potentes temas a ritmo de samba. Queda por preguntarse si tiene sentido mezclar en una misma competición películas de ficción con documentales y animación. La realidad es que si no fuera así perderían siempre los filmes documentales y de animación, ya que se verían confinados solo a festivales de sus especialidades. Así al menos se disfrutan. Bienvenida sea siempre la fusión.

Por su papel en "Les combattants", Adèle Haenel obtuvo la Pirámide de Plata a la Mejor actriz en el festival.

Por su papel en “Les combattants”, Adèle Haenel obtuvo la Pirámide de Plata a la Mejor actriz en el festival.

También en Sección Oficial de largometrajes, “Les combattants” (“Love at First Fight” en su título inglés) es un sencillo y originalísimo filme a medio camino entre el drama y la comedia romántica que vuelve a demostrar el pulso firme del cine francés. El filme obtuvo el premio de la crítica internacional (Fipresci) en la Quincena de Realizadores del pasado festival de Cannes. En España pudo verse en la sección oficial del festival de Gijón. Durante un verano, dos jóvenes se conocen luchando en un ejercicio de autodefensa militar. Ella, Madeleine (Adèle Haenel), es especialmente ruda, una atractiva rubia decidida a ingresar en el ejército para aprender técnicas de supervivencia, convencida del fin del mundo está al caer. Él, Arnaud (Kévin Azaïs), un joven carpintero que junto a su hermano mayor intentar salvar la empresa de su padre recién fallecido. La historia de amor está servida en ese primer encuentro entre llaves de kárate y mordiscos y tiene su punto álgido cuando ambos participan en un campamento militar de dos semanas que les preparará para ingresar en el ejército. El filme no busca rarezas en lo formal. No las necesita. Su novedoso punto de partida solamente está en la historia, un correcto desarrollo del guión bastan para que su director, el novel Thomas Cailley, culmine un filme redondo y muy divertido donde el amor sobrevive.

Adèle Haenel y Kévin Azaïs comparten la insólita comedia romántica francesa “Love At First Fight”.

Adèle Haenel y Kévin Azaïs comparten la insólita comedia romántica francesa “Love At First Fight”.

(continuará dentro de dos días…)

Crónica del 36 festival de cine de El Cairo (2)


El largometraje “Melbourne”, opera prima del iraní Nima Javidi, sobre un matrimonio que debe enfrentarse a un terrible suceso a noventa minutos de cerrar su vivienda en Teherán para emigrar a Australia, se alzó con la Pirámide de Oro del 36 Festival Internacional de Cine de El Cairo. El festival finalizó el martes 20 de noviembre con una clausura en el complejo histórico de las pirámides de Giza, donde también se ubica la famosa Esfinge.

Esta es la segunda parte de la crónica, en su versión completa y con otra selección de fotos, que preparé para la revista online El Asombrario, asociada a ElDiario.es.

El río Nilo desde la habitación 1261 del Hotel Marriott Cairo.

El río Nilo desde la habitación 1261 del Hotel Marriott Cairo.

Vivimos entre fuertes medidas de seguridad. Dos controles con policías y militares hacen falta para entrar en el hotel Marriott Cairo. Instalado en su planta 12, con vistas al viscoso y hechizante Nilo, la perspectiva cambia. La ciudad es extraordinariamente luminosa. Parece un caos ingobernable. El sonido de la naturaleza aquí ha sido sustituido por el bramido de motores y bocinazos que suenan de la mañana a noche en una sinfonía sinfín, el tráfico es denso y veloz, los motociclistas vuelan sin casco al filo del cataclismo.

Un edificio de El Cairo / LUIS ROCA ARENCIBIA

Un edificio de El Cairo / LUIS ROCA ARENCIBIA

¿Cómo es posible que no se produzcan decenas de accidentes y atropellos, con lo cerca que pasan los vehículos de los transeúntes? “Se producen muchos a diario,” me confiesa un empresario local en la fiesta después de la ceremonia de inauguración, celebrada en el exclusivo Club House, a quince minutos en las afueras de la ciudad junto a un campo de golf. Autobuses y coches privados viajaron escoltados hasta aquí. A decir de un colega jordano que se jacta de conocer bien el mundo árabe, los egipcios son especialmente divertidos y hospitalarios. La fiesta fue un despliegue de esmóquines y rebosantes escotazos amenizado por una banda de versiones que interpretaba ‘standards’ occidentales de los años 50 y 60, algunos también en español.

Thomas Allen Harris sostiene una de las fotografías que muestra en “Through a Lens Darkly: Black Photographers and the Emergence of a People”

El director Thomas Allen Harris sostiene una de las fotografías que muestra en el documental “Through a Lens Darkly: Black Photographers and the Emergence of a People”

El filme que abre la sección competitiva del festival es un documental de interesante contenido, pero poco novedoso en lo formal. “Through a Lens Darkly: Black Photographers and the Emergence of a People”, de Thomas Allen Harris, reivindica la figura de los fotógrafos afroamericanos como narradores también de la historia de los Estados Unidos, así como la trascendencia de los álbumes familiares de fotos para señalar el principio de su emancipación en aquel país. Curioso que durante la esclavitud los esclavos negros no pudieran mirar a los ojos a los amos y en cambio sí lo hicieran en las fotografías científicas que se tomaron como registro de sus peculiaridades físicas. Estas fotografías de hombres y mujeres desnudos mirando a la cámara constituyen uno de los momentos más reveladores de este filme de planteamiento más bien televisivo, con entrevistas a historiadores y fotógrafos que complementan la vasta e interesantísima colección de fotos que muestra y la narración del propio director.

El icono de la lucha aborigen australiana, David Gulpilil (c), se alzó con su interpretación de Charlie con el premio “Una cierta mirada” al mejor actor en el pasado festival de Cannes por “Charlie’s Country”, de Rolf de Heer.

El icono de la lucha aborigen australiana, David Gulpilil (c), se alzó con su interpretación de Charlie con el premio “Una cierta mirada” al mejor actor en el pasado festival de Cannes por “Charlie’s Country”, de Rolf de Heer.

Siguiendo con más filmes de la Sección Oficial de largometrajes, dos días más tarde, el filme candidato a los Oscar por Australia, “Charlie’s Country”, del holandés Rolf de Heer, es una bonita película de bella fotografía sobre un aborigen del norte de aquel país, vagabundo y cazador astuto, que se resiste a ser confinado en comunidades por las autoridades y seguir así el modo de vida impuesto por los colonos blancos. Cuando Charlie trata de volver a la vida en estado salvaje su salud no se lo permite y termina siendo llevado a un hospital de la ciudad, donde muchos de su misma raza viven como auténticos homeless alcoholizados. El filme está interpretado por el icono de la lucha aborigen, David Gulpilil, que se alzó con su interpretación con el premio “Una cierta mirada” al mejor actor en el pasado festival de Cannes. La excesiva pulcritud formal del filme, la simpatía que desprende el grupo de protagonistas aborígenes, contrasta con la gravedad del tema, que hubiera requerido un acercamiento menos amable y más contundente.

Panorámica de la Opera de El Cairo, en cuyo recinto se encontraba la sede del festival y se llevaban a cabo todas las proyecciones. / LUIS ROCA ARENCIBIA

La Opera de El Cairo, al fondo, desde el Creativity Cinema. En este espacio se encontraba la sede del festival y se llevaban a cabo todas las proyecciones. / LUIS ROCA ARENCIBIA

 (dentro de dos días continuará…)

Crónica del festival de cine de El Cairo (1)


El largometraje “Melbourne”, opera prima del iraní Nima Javidi, sobre un matrimonio que debe enfrentarse a un terrible suceso a noventa minutos de cerrar su vivienda en Teherán para emigrar a Australia, se alzó con la Pirámide de Oro del 36 Festival Internacional de Cine de El Cairo. El festival finalizó el martes 20 de noviembre con una clausura en el complejo histórico de las pirámides de Giza, donde también se ubica la famosa Esfinge.

Esta es la primera parte de la crónica, en su versión completa y con otra selección de fotos, que preparé para la revista online El Asombrario, asociada a ElDiario.es.

Camello junto a la Gran Pirámide, con El Cairo al fondo / LUIS ROCA ARENCIBIA

Camello junto a la Gran Pirámide, con El Cairo al fondo / LUIS ROCA ARENCIBIA

Has viajado seis mil kilómetros en avión con la incertidumbre de una convulsa situación política que la oficialidad trata de relativizar sin éxito. Desde el golpe de estado que apartó del poder a los Hermanos Musulmanes, y encarceló a su líder, Mohamed Morsi (actualmente desplazado a una prisión de máxima seguridad en mitad del desierto), han muerto en atentados más de 500 personas. Pero el país quiere salir del pozo de los últimos cinco años. La Primavera Árabe venció, pero no ha traído tranquilidad ni estabilidad. Según aseguran actores y técnicos con los que hemos podido hablar, el cine desapareció del mapa de principales intereses con el gobierno de los islamistas. Has llegado aquí con una idea rondándote la cabeza, paraíso e infierno son
las dos caras de una misma moneda.

El alemán Volker Schlöndorff recibió su Pirámide de Oro Honorífica acompañado en el escenario por la voluptuosa actriz egipcia Laila Elwi.

El alemán Volker Schlöndorff recibió su Pirámide de Oro Honorífica acompañado en el escenario por la voluptuosa actriz egipcia Laila Elwi. / CIFF

Un domingo 9 de noviembre de 2014, el mismo día que cayó hace 25 años el Muro de Berlín, el alemán Volker Schlöndorff recibió su Pirámide de Oro Honorífica en el 36 Festival Internacional de Cine de El Cairo (CIFF) en una gala conducida por el joven actor egipcio Asser Yassin. Lo hizo acompañado en el escenario por la voluptuosa actriz egipcia Laila Elwi y con un recuerdo su primer trabajo, un documental que casualmente llevó a cabo en este mismo país a principios de la década de los 70 del siglo pasado. Schlöndorff, que trae al festival su filme “Diplomacy”, recientemente premiado en Valladolid, contó cómo el gobierno egipcio de entonces les obligaba a ponerles zapatos a los niños para evitar que se viera que iban descalzos. La censura prohibía mostrar la pobreza. En inglés, el alemán de Wiesbaden realizó una defensa del cine en pantalla grande, “el lugar para el cual está pensado, donde permite compartir emociones y generar discusiones entre el público.” Por su parte, la actriz egipcia Nadia Loutfi agradeció su premio con un discurso grabado. La que este año es la imagen del cartel del festival reivindicó el certamen como un pilar del proyecto nacional de Egipto y apostó por que no vuelvan los tiempos en que se canceló. La venerada Loutfi, de 76 años, estrella en la época de oro del cine del país, utilizó símiles bélicos en su defensa a ultranza del certamen. El ex ministro de Cultura francés, Jack Lang, que también iba a recibir este mismo galardón anunció su no presencia en Egipto pocos días antes del inicio del mismo. Con presencia de su director en el escenario, el crítico de cine Samir Farid, el festival fue inaugurado oficialmente por el ministro de Cultura, Gaber Asfour.

 

En una gala conducida por el joven actor egipcio Asser Yassin, con presencia de su director en el escenario, el crítico de cine Samir Farid, el festival fue inaugurado oficialmente por el ministro de Cultura, Gaber Asfour.

En una gala conducida por el joven actor egipcio Asser Yassin, con presencia de su director en el escenario, el crítico de cine Samir Farid, el festival fue inaugurado oficialmente por el ministro de Cultura, Gaber Asfour. / CIFF

La inauguración del 36 festival de cine de El Cairo (CIFF) se celebró en la histórica ciudadela de Saladino, fortaleza levantada sobre una colina de la ciudad en el siglo XII para frenar a los cruzados. La ceremonia fue al aire libre, en un escenario dominado por una gran pantalla en el centro y a los lados ocho pantallas más de formato vertical simulando columnas rematadas por haces de luz blanca. Más focos similares estaban situados en lugares estratégicos de las murallas de la fortaleza que protegían el anfiteatro. Con importantes medidas de seguridad -aquí y en cualquier movimiento que se realiza en el marco del festival- y un retraso de treinta y cinco minutos sobre el horario previsto, la ceremonia se celebró con el deseo de la mayoría de que El Cairo esté “de nuevo en el mapa” de los grandes festivales del mundo, como expresó el suizo Beat Glur, presidente del jurado del premio de los críticos (Fipresci).

 

La inauguración del 36 CIFF se celebró en la histórica ciudadela de Saladino, fortaleza levantada sobre una colina de la ciudad en el siglo XII para frenar a los cruzados.

La inauguración se celebró en la histórica ciudadela de Saladino, fortaleza levantada sobre una colina de la ciudad en el siglo XII para frenar a los cruzados. / LUIS ROCA ARENCIBIA

(en dos días continuará…)

Pedro Almodóvar y Damián Szifrón regalan el cine más brutal / Crónica del 62 Festival Internacional de Cine de San Sebastián


“Rebelde, alegre, violenta y contundente.” Así calificó el actor Leonardo Sbaraglia el filme “Relatos salvajes” cuando recogió en nombre de su director, Damián Szifrón, el Premio del Público a la Mejor Película Europea, en la gala de clausura del pasado festival de cine de San Sebastián, celebrado entre el 19 y el 26 de septiembre pasados. Yo solo añadiría excepcional. La película es una coproducción hispano-argentina en la que participa la productora de cine, El Deseo, de los hermanos Pedro y Agustín Almodóvar. Se estrena el próximo 17 de octubre.

Aunque “Relatos salvajes” es el mejor filme de los vistos durante el festival sería injusto no destacar que fue el documental de Wim Wenders “La sal de la tierra”, sobre el fotógrafo social brasileño Sebastiao Salgado, el que se alzó con el Premio del Público en su categoría absoluta. Lo codirige con Wenders el hijo del fotógrafo Juliano Ribeiro Salgado. Quienes lo han visto dicen que el relato de algunas de las mejores imágenes de Salgado, explicadas por él mismo y con la voz del propio Wenders, es necesario y conmovedor. Sigue leyendo

“La piedra”, de Víctor Moreno, filmar como si fuera la primera vez


"Igual que el artista martillea la piedra, Moreno machaca con un cine de mínimos técnicos que pone el énfasis siempre en la trascendencia de lo que muestra."

“Igual que el artista martillea la piedra, Moreno machaca con un cine de mínimos técnicos que pone el énfasis siempre en la trascendencia de lo que muestra.”

Este artículo fue publicado ayer en la edición de papel del suplemento de Cultura del periódico La Provincia. Aquí, al final del texto añado además preguntas que fueron descartadas para el artículo final.

“La piedra” (2013), filme de 47 minutos dirigido por Víctor Moreno (Santa Cruz de Tenerife, 1981), recibió la semana pasada el segundo premio del 43 Festival de Cine de Alcalá de Henares (Alcine), uno de los principales de España. “La piedra” se filmó en Haría, Lanzarote. Está protagonizada por el artesano local Santiago Navarro. El filme había estrenado en abril en el festival suizo Visions du Réel. Sigue leyendo

Memorias del 61 Festival de Cine de San Sebastián, crónica de una inmersión anunciada


Underwater

Tras ver “Gravity” la emoción hizo saltarnos la rueda de prensa del director Alfonso Cuarón. En vez de eso, nos dimos un baño en la playa de Zurriola, detrás del Kursaal de Moneo. Con Marta de Santa Ana. Foto de JOSÉ ANTONIO GONZÁLEZ.

Además de para el periodico La Provincia, medio con el que he intensificado mis colaboraciones desde octubre de 2012, este año fui con Manuel Cuéllar cronista para el periódico digital ElDiario.es del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Día tras día, tras el visionado de entre tres y cuatro películas diarias, llegaba el turno de escribir las notas que se volcarían a la revista cultural de Cuéllar con la que colaboro, El Asombrario. De ahí a la portada del diario de Ignacio Escolar.  El título: Zinemaldia Dreaming. Dado el estrecho margen temporal que nos impusimos se trataba de crónicas urgentes, reseñas que respiraban con el oxígeno de la realidad inmediata. Corríamos más rápido que el tiempo.

El resultado ha sido más que satisfactorio:  64.000 visitas en las nueve entradas publicadas (media de 7.111,1 diarias). En el listado de debajo puedes recuperarlas todas. En ellas se reseñan más de treinta películas. Algunas, como ‘Gravity’ de Alfonso Cuarón, recién estrenadas. La mayoría por estrenar.

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Andreas Dresen y Andrés Santana, colaboraciones de cine en El Asombrario de Manuel Cuéllar


AltoEnElCamino

Fotografía tomada durante la proyección de “Alto en el camino”, de Andreas Dresen, en Gran Canaria Espacio Digital. LUIS ROCA ARENCIBIA

Dos han sido mis nuevas colaboraciones en El Asombrario, la revista online del periodista Manuel Cuéllar, donde he decidido compartir textos sobre cine. La primera sobre el director alemán Andreas Dresen, a quien pude entrevistar en noviembre gracias a las gestiones del Consulado de Alemania en Canarias, que organizaba una muestra sobre cine alemán reciente en Las Palmas de Gran Canaria con tres películas del director nacido en Gera (entonces República Democrática de Alemania) en 1963. Sigue leyendo